Etica ed estetica di un'arte di precisione

Etica ed estetica di un'arte di precisione

Il fotorealismo, il cui folgorante successo all'inizio degli anni Settanta ha reso universalmente noto questo modo di fare della realtà l'origine primaria e il fine ultimo di un'opera d'arte, è stato successivamente trattato in modo contrastante con il termine generale di iperrealismo, che è allo stesso tempo trascurato da alcuni storici dell'arte e ammirato da un pubblico di amatori sensibili a questa visione esagerata della realtà.

In ogni caso, tutti pensano di conoscere questo movimento artistico, anche se non possono sempre nominare un artista. Né sapere come si è diffuso o esattamente chi ha influenzato? Riconosciamo prontamente la sua grande importanza storica, ma sarebbe difficile sapere cosa gli è successo oggi.

Per questo motivo abbiamo ritenuto necessaria una mostra su larga scala, sia per il suo carattere internazionale e intergenerazionale, sia per la qualità intrinseca delle opere che presenta.

La nostra epoca è senza dubbio più satura che mai di immagini e commenti; quindi una mostra di questo tipo dovrebbe essere considerata per la sua capacità di rinfrescare i nostri occhi, di disintossicare la nostra vista. Assicurandoci il piacere infinito fornito dai diecimila oggetti che ci circondano e nutrono la nostra immaginazione.

Nascita dell’ iperrealtà

L'iperrealismo fu un evento fondamentale nella storia dell'arte quando, alla fine degli anni '60, negli Stati Uniti furono esposti quadri spettacolari che riproducevano scene di vita quotidiana con un'attenzione ai dettagli, un'obiettività distaccata e un'intensità colorata che li faceva sembrare fotografie.

© Ralph GOINGS / USA / 1970, Peinture à l’huile, 60 x 85 cm

L'iperrealismo è in diretta opposizione all'espressionismo astratto che dominava all'epoca, così come ai movimenti contemporanei come il Minimalismo, l'Arte Concettuale, la Land Art e l'Arte Povera, teatri di operazione per un discorso teorico in piena effervescenza. L'iperrealismo è prima di tutto l'affermazione del lavoro di un pittore, compiuto dal migliore degli artigiani, pazientemente, umilmente, e il risultato, tutto probità e scrupolo, se gioca sulla nostra credulità, non inganna tuttavia nessuno.
L'estetica della pubblicità e delle riviste è un terreno fertile per le immagini che scatenano il desiderio di confrontarle. La levigatezza della superficie delle cose, l'aspetto glaciale di ciò che sembra immediatamente consumabile, l'effetto contrastante della luce sul rilievo, il gioco di linee e curve, l'immersione dei materiali fabbricati in un ambiente naturale o quello dei corpi in acqua… tutti questi aspetti derivano direttamente dall'uso diffuso della fotografia.

Il posto vacante di figurazione

Un meccanismo è all'opera. L'artista iperrealista riproduce in modo identico, per quanto lo permette la sua abilità tecnica, un oggetto fotogenico tolto dal suo contesto e ne fa un'immagine il più possibile discreta, essendo l'oggetto da guardare per se stesso e per il suo proprio valore pittorico. Ma non fa semplicemente un'osservazione; rivela la natura dell'oggetto, profondamente sepolta nella nostra memoria visiva.
Rimanendo apparentemente allo stato dell'apparenza, può essere altrettanto facilmente accusato di superficialità.

L'artista è egli stesso una macchina per dipingere; rimane indifferente all'oggetto della sua pittura e usa mezzi tecnici per allontanarlo. Avrà messo in piedi una serie di modalità meccaniche di riproduzione che gli permetteranno di catturare la realtà in modo tale da magnificare la sua onnipotenza, senza proibire la composizione o rendere mai sacro alcun tema. Il linguaggio pittorico così prodotto sembra il risultato impassibile di un processo prestabilito, imparziale alla realtà e intransigente al suo autore.

© Roger WATT / Canada, 2021, Duchess of Sutherland, graphite, 30 x 45 cm

Si può immaginare che la scelta del soggetto si sia imposta all'autore, che la grafica del pezzo di realtà scelto sia stata decisiva, che la qualità visiva del motivo sia stata il principale fattore scatenante della composizione: fare un'opera praticamente con niente, praticamente tutto. Un'erba, un cielo, un panno, un bicchiere, un labbro, un'unghia, una lettera, una foglia d'albero, una strada, un sito, una folla, una foresta, una biblioteca, un corpo, …. Entriamo nella materia, siamo dentro.
Lo stupore per gli oggetti della nostra vita quotidiana, ai quali generalmente non prestiamo attenzione a livello estetico, si cristallizza in particolare sulla macchina che è il vettore della modernità per eccellenza: le opere prendono a modello, senza alcun commento satirico o sociologico, i segni evidenti del mondo moderno: la città, la fabbrica, l'aeroplano, l'automobile, la motocicletta. L'avidità con cui guardiamo queste opere ci proietta verso un mondo senza storia, senza conflitti, senza miseria, un'estate di distrazioni e una vacanza perpetua per i neuroni: l'iperrealismo sarebbe un'arte balneare?

Attraverdando le apparenze

Il falso è autenticamente falso. L'iperrealismo fornisce l'illusione immediata di una neutralità assoluta, assolutamente rivendicata, per ravvivare e ringiovanire l'occhio appannato dai tempi, per riportarlo a una fredda percezione delle cose.

Nessun riguardo per il sentimento, né per l'emozione, né per l'interiorità, né per la segretezza, né per il mistero. Tutto è lì davanti a noi, e rimarrà lì. Non c'è altro, né dietro né davanti. Non c'è stato altro prima e non ci sarà altro dopo. Il tempo non esiste. E nemmeno lo spazio. Forme e colori, materiali e prospettive, inquadrature sono deliberatamente imposte alla retina.

© Tom BLACKWELL / USA, 1998, Ordering In, Seavest Collection

Come fa un movimento la quale forza si è manifestata in un lampo in un momento in cui la società era oggetto di aspre critiche e l'arte stava lottando con la nozione stessa di immagine o figura? L'iperrealismo impose il potere dell'immagine fotografica; i suoi artisti rimasero più o meno attaccati ai mezzi collaudati, persino accademici, che erano stati deviati dall'imitazione concordata della realtà esterna. Il mondo delle apparenze si rinnova allora, il miraggio si compie ogni momento davanti ai nostri occhi, incurante del fatto che si tratta di un inganno: l'artista, ingannato dalle sue convinzioni, ingannerà a sua volta lo spettatore. Ma è forse un imbroglione più perfido dei pittori romantici, surrealisti, metafisici o realisti?

La realtà è un teatro permanente dove i prestigiatori non sono forse quelli che pensiamo. Qui l'immagine si mostra in assoluta certezza, al culmine della sua inanità.

Il sogno americano: conquistare il  vero

Il primo iperrealismo è chiaramente americano; riattiva la vecchia attrazione per le rappresentazioni fedeli del paese, della natura come degli artefatti, fino al punto di trompe-l'oeil. Presuppone quindi una specie di ritorno all'ordine, onorando l'abilità e la pazienza dell'artista. È come se la nazione americana chiedesse di essere descritta in modo letterale, nella sua ovvietà e monumentalità dominante, sia politica che artistica.

© Robert BECHTLE / USA / 1968–69 / Oil on canvas, 151.8 × 214 cm

La questione è se tutto questo fa parte del suo onnipresente intrattenimento o è una gentile sfida ad esso. Il genere artistico è, come sappiamo, estremamente esigente. Come ha insistito Bernard Lamarche-Vadel, « il pittore iperrealista è il pantografo meticoloso di una superficie che replica ». Lo studio è la residenza giorno e notte di artisti mostruosamente esemplari, che si esprimono poco, non rilasciano spesso interviste, raramente scrivono sui giornali. Fanno, producono lentamente ed evitano sollecitazioni inappropriate. Non hanno la pretesa di essere geniali. Non coltivano un ego sovradimensionato. Insomma, la società dello spettacolo, paradossalmente, non trova nelle loro opere, lo specchio mercantile che la Pop Art ci ha offerto.

© John BAEDER

L'artista iperrealista è un contro-eroe, in un certo senso: glorificando una tecnica che padroneggia alla perfezione, si trova declassato per insufficienza interpretativa. Riducendo lo stato dell'artista a quello di un artigiano, e concentrandosi su soggetti spesso di grande banalità, l'iperrealismo non poteva non essere rifiutato dai fautori di un'arte che deve rinnovare costantemente il potere simbolico dell'artista sui suoi contemporanei come demiurgo assoluto, un'arte che coltiva l'eccezionale, chiama allo scandalo, e ci chiama a interrogarci sulla nostra incapacità di capire quello che siamo.

L'iperrealismo ha dunque sofferto della falsa idea che non avesse alcun interesse filosofico, che non fosse altro che un virtuosismo vano e perfettamente gratuito. L'esercizio metodico della pittura e l'ostinazione a rendere la realtà nel suo succo dell'epoca isolò questi artisti, anche se la maggior parte di loro ottenne un notevole successo commerciale.

Una strana scala di valori

© Richard ESTES

Gli artisti iperrealisti, ognuno secondo il proprio percorso, si sono obbligati volontariamente a rappresentare solo un tipo di lavoro secondo la propria metodologia. Questa singolarizzazione è diventata la firma del genere, sostenuta dall'ammirazione del pubblico per una straordinaria tecnicità, e rinnovata da opere sempre sorprendenti che magnificano la nozione di somiglianza irreprensibile senza alcuna finzione. Ma poteva sembrare che questo favoloso virtuosismo fosse solo un modo piuttosto primitivo di nascondere l'inanità di tale lavoro, per quanto estenuante potesse essere.
L'assenza di giustificazioni, siano , artistiche, sociali o filosofiche, portò alcuni a dire che non c'era futuro per questi artisti che indulgevano nella scelta arbitraria dei soggetti e nel piacere infantile di raggiungere l'impresa di dipingere meglio di chiunque altro. Dopo l'atteso periodo di fascinazione della tecnica che ha allontanato i dilettanti illuminati, è notevole che oggi in tutto il mondo la qualità delle opere cosiddette iperrealiste, grazie alle nuove tecniche e alle nuove generazioni di artisti, stia nuovamente attirando l'attenzione, non senza preoccupazioni per un mondo che sta morendo sotto i nostri occhi, ma non senza fervore per quell'atto gratuito che senza dubbio non sarà estraneo alla nostra salvezza: vedere la realtà di fronte
Siamo dunque obbligati a cercare il senso profondo di un mondo osservato freddamente come lo formula la relazione clinica e senza privilegiare un aspetto o un altro: dietro il travestimento colorato della realtà, cosa si nasconde? Sotto la nostra propensione ad amare l'apparenza scintillante di ciò che ci circonda, cosa vogliamo nascondere? Dove si trova la nostra umanità? Se nasce un'emozione estetica, non sfiorerà mai il singhiozzo, ma piuttosto l'energia in più, per andare a vedere di persona. L'artista iperrealista, tornando alla pittura da cavalletto, ripristina le tecniche convenzionali e l'insegnamento dei maestri. Ai soggetti più banali viene data la massima sofisticazione; tale è la strana scala di valori qui.

Immagini che sono più « vere che vere »

L'iperrealismo, con la sua preoccupazione di rendere esattamente ciò che è percepibile nel mondo reale, sia attraverso l'uso di fotografie proiettate sulla tela, il processo di piastrellatura, la pittura ad aerografo, o oggi attraverso il contributo delle tecnologie digitali, prima mostra una tecnica, poi saluta il silenzio delle cose.

A prima vista, si pensa che siano fotografie gigantesche. Allora si capisce che sono dipinti. Allora ti chiedi: perché tanto sforzo? Ci deve essere una ragione per sviluppare una così grande quantità di lavoro. La banalità della vita, gli accessori del nostro modo di vivere, le strade, i davanzali dei negozi, sono tutti pretesti per dipingere con il più impassibile dei realismi, come se la realtà (una realtà che qui è stata rifatta) fosse l'unica cosa che dovrebbe scandalizzarci.

© Ron KLEEMMANN / Manhattan on the Hudson, 1979, acrylic on canvas, 47 x 59

La trappola dell'illusione ci lascia un sapore amaro, perché siamo assaliti dall'idea di prendere le immagini della realtà per la realtà stessa.
Mostrare deve essere sufficiente per dire tutto. La qualità del lavoro deve risplendere nella massima risoluzione dell'immagine. Trame, linee e ombre sembrano essere illuminate dal lavoro dell'artista stesso, e più nitide che nella fotografia che è servita come punto di partenza o modello. Quello che si vede davanti ad un opera iperrealista, non lo si vedrebbe da nessun'altra parte, nemmeno nella realtà. In breve, verità alla potenza di dieci!

L'iperrealismo sembra essere una ricerca frenetica dell'apparenza, il cui scopo è quello di reprimere un'angoscia profonda: dove sta la verità? L'artista iperrealista si presenta come un mago della realtà, facendo delle contraffazioni e dei giochi di prestigio per il nostro solo piacere. Dipinge una realtà che poi diventa una finzione.

La magia della luce

L'abilità degli artisti iperrealisti è un punto alto nella storia dell'arte, ma può anche essere una trappola. Il rischio sta nel compiacimento nell'esecuzione dell'impresa e nell'autocompiacimento che ne consegue.

© Ralph GOINGS

L'artista è allora ipnotizzato dalla sua stessa capacità di rendere la realtà e può sprofondare nella figurazione aneddotica e nell'immaginario autosufficiente. Si apre allora un nuovo mondo, quello della magia e dell'illusionismo e non più quello del realismo estremo spinto fino all'insensatezza, rigoroso a suo modo.

La realtà non ti basta? Forse non è abbastanza umano? Quindi l'arte iperrealista riguarda essenzialmente la cecità. Produrre pezzi unici che sono copie di fotografie è un atto anti-artistico che dovrebbe farci mettere in discussione la riproducibilità delle immagini così come la qualità singolare di un'opera d'arte. Si sta creando un duplicato di qualcosa che è già esistito nel campo visivo comune? Creare un'opera personale totalmente immaginativa non significa copiare uno stato d'animo preesistente? Un trompe-l'oeil non è neutro.

E la credibilità dell'immagine? Perché raddoppiare la realtà delle opere a sua immagine? Cosa riconosco in un dipinto iperrealista? Infatti, niente, dato che sto vedendo per la prima volta. L'opera mi rimanda alla necessità di svalutarmi, senza la quale le elaborazioni concettuali parassitano la mia vista e dirigono i miei pensieri.

È il vero che ha sex appeal

L'iperrealismo si è appropriato certi codici dell'immagine pubblicitaria, del suo pragmatismo per vendere, della precisione del suo messaggio; ha eliminato l'aspetto consumistico, la circostanza commerciale per rivelare la nuda bellezza delle cose. Sì, è la realtà che ha sex appeal, e ancora di più questo modo magistrale di portarla alla luce.
Un quadro iperrealista ci fa venire voglia di toccarlo, fa nascere il desiderio visivo. Ci impegna a vivere con la realtà in una nuova modalità relazionale. Questo livello zero di interpretazione porta con sé l'ambizione di una totale chiaroveggenza e una liberazione delle nostre capacità percettive.
Sull'esempio di una società dei consumi che sguazza nella seduzione generalizzata, il tema iperrealista si avvale dei servizi di una certa igiene della vista: brillantezza, pulizia, nitidezza, franchezza, chiarezza, purezza… tutto sembra provenire da un display che può catturare il nostro interesse, tutto sembra essere esposto per la vendita. Ma di cosa sono promotori passivi gli oggetti: un vuoto incommensurabile, un pensiero morto?
Niente aria, niente spazio di mediazione, niente respiro. L'immagine è nel vuoto. È una massa nella mente di chi guarda. Non può staccarsene.

© Luigi BENEDICENTI / Italie / 2012, Huile sur contreplaqué, 99.9 x 132.9 cm

L'attenzione, anche se massima, ci trasforma in guardoni che non sanno più cosa guardare. L'indiscrezione degli oggetti ci rassicura che anche nel vuoto c'è ancora qualcosa. In che modo la pittura supera la fotografia?
Fabbricando indefinitamente la verità? Qui il realismo emana da un soggetto concreto che viene premuto contro la nostra retina, e la sua apparizione sarà sempre la migliore risorsa di un'arte che sembra mettere le cose al loro posto, cioè la prima.

Lo stato attuale dell’iperrealismo

Negli ultimi cinquant'anni, la popolarità dell'iperrealismo non è diminuita: il pubblico è diventato sempre più giovane di generazione in generazione, ed è cresciuto al punto da poter alimentare un gran numero di siti web che vendono opere d'arte su Internet. Questa accoglienza, che può essere descritta come trionfale, deve essere vista alla luce dell'indifferenza di molti critici d'arte.
È vero che i maggiori musei hanno tutti proposto, prima o poi, una mostra sul movimento iperrealista nel suo carattere storico, iniziale, ma nessuno si è azzardato a mettere in evidenza la produzione iperrealista nella sua piena attualità, tanto che la sua presunta debolezza concettuale pone un problema ai curatori. Se non fosse che importanti mostre hanno mostrato un rinnovato interesse per l'iperrealismo negli ultimi quattro anni:

Una mostra, un catalogo

Se proviamo a seguire l'evoluzione dell'arte iperrealista negli ultimi 50 anni, ci rendiamo subito conto che la modalità di presentazione della realtà spinta alla sua massima intensità varia di generazione in generazione, e che ci sono quindi diversi modi di essere neutrali, di essere oggettivi, di essere uno specchio non distorcente.
Come se la storia generasse una propria grammatica per dire le cose e renderle visibili. È senza dubbio un limite del progetto iperrealista : avere una propria cronologia. Dunque abbiamo immaginato questo rapporto intimo con l'universo del visibile universale e senza tempo.

La luce evolve inevitabilmente, e così il modo in cui viene traspostata. Speriamo che questa mostra ci aiuti a vederla più chiaramente! Per inciso, sorge una domanda: fotografare un'opera iperrealista la distrugge?
Cosa rimane nell'opera della trasgressione della realtà da parte del materiale pittorico? Come può un semplice documento informativo assomigliare all'opera quando è la sua negazione?

Un catalogo di mostra raggiunge difficilmente il suo soggetto, poiché fotografando un quadro o una scultura, si confuta l'opera iperrealista tale quale è. Quale testimone non mente? Dobbiamo quindi considerare soluzioni che accentuino la finezza della riproduzione.
È chiaro che l'iperrealismo ha resistito, si è arricchito di nuove opere, si è diversificato e si è perfino universalizato, grazie alla globalizazione del mercato dell'arte, all'accesso sempre più rapido e completo alle informazioni e all'uso diffuso degli strumenti informatici.
Questo movimento, per un momento storicamente localizzato, è oggi, attraverso i suoi successori, dichiarato o no, un genere artistico proprio a tale punto che fiorisce ovunque e guadagna ogni giorno nuovi appassionati.

(© – Tutti i diritti riservati: HYP'ART sas / Autore e critico d'arte: Christian ARTHAUD)